从圣母像的变迁看意大利艺术文艺复兴

杨贤政先生

街友们大家好！周日愉快！今天是母亲节，祝福世界上所有的妈妈！我们今天的华人街闲聊意大利板块意大利艺术又和大家见面啦！我们今天的话题也是母亲，我们从头撸一遍圣母像的意大利美术发展~从圣母像这个主题入手，正好可以非常有线索感的给街友们呈现人性解放、打破神权的西方美术发展史。
在《新约》之中，作为耶稣的母亲，圣母玛利亚出现的次数并不多，描述也非常简单，在基督教早期圣母玛利亚并不是个重要的角色，针对她的绘画作品也非常少见。到中世纪中期以前，基督教的绘画作品依旧以基督为主，主要内容是描述基督的生平、基督的神通和基督上十字架之类的圣经故事。而圣母玛利亚的宣传点主要是在纯洁，因为圣母是处女怀孕的，教会对圣母的推崇也是主要为了宣传禁欲主义。

十三世纪之后，圣母玛利亚作为神与人的沟通媒介逐渐被信徒们接受，甚至形成了圣母崇拜的风潮。圣母的表达的情感偏向慈爱、亲切，某种意义上说，圣母似乎比基督更加亲民接地气，总会在现世披洒恩泽，而不是许下死后上天堂的支票。同时，黑死病的流行让人们更加重视家庭的意义，而圣母玛利亚代表的母性，恰合了社会风气的大势，也让人们对圣母的认识发生了微妙的变化。随着人民对圣母的崇拜之情愈发热烈，对圣母像的需求暴涨，逐渐成为了一种常见的绘画主题。

这是十三世纪中下旬的一幅圣母像，作者不详。彼时欧洲流行的圣母像大多是类似的风格，被强化描绘的头部，五官比例并不符合真人标准，眼睛很大，鼻子细长，嘴非常小，永远紧闭，中世纪基督教绘画的固定模式和规范尽显无遗。

直到十四世纪早期的圣母像依旧有着严重的程式化痕迹，无论是人物姿态、面部表情、衣着、画面背景、画面色彩，尽管从绘画题材上有了新的创新，但是举手投足之间的细节依旧带有严肃的中世纪风格。比如上图中的五幅作品，看起来都差不了多少，其实出自五位不同的画家。时至今日，一些信奉东正教的圣像画家们，依旧采用类似的手法作画。

锡耶纳画派的杜乔笔下的圣母像，作于十四世纪初期。这时的圣母像仍没有现实存在的临摹对象，更多是一种想象出的符号化的圣者象征，画家手下的圣母基本都长的差不多。但是我们可以看到，此时圣母的五官线条虽然依旧僵硬呆板，但相比于中世纪的传统风格已经柔和了很多，越来越有生气。也就是说，圣母在这时已经开始逐渐从神的形象而接近人的形象。

说文艺复兴，到了十四世纪，就必须提到乔托，作为文艺复兴早期的代表人物，佛罗伦萨画派的第一位代表画家，乔托的这幅在1310年绘制的《宝座上的圣母》在现在看起来或许平淡无奇，但在当时的欧洲则是震撼人心的新作。第一，圣母的身材比例趋近真人，包括身边的天使们都更接近真人，而不再是符号化的宗教形象，尽管在人体结构上还缺乏科学的技巧指导，但已经透露出一种突破程式化的趋势，产生了些许变化。其次，整幅画面的色彩开始丰富，构图更完整，产生了简单的透视纵深，圣母和画面背景、前景之间的距离被展现出来。第三，我们得看一幅放大的局部图。

圣母的左右眼并不对称，左边的眼睛向左边偏移，绘画不是摄影，这一定是画家有意而为。此外，圣母紧闭了一千年的嘴巴，终于张开了一条小缝，露出了两颗隐约的门牙。所谓的文艺复兴，就是复兴古希腊罗马的审美模式，重回对真人现实的准确描绘，乔托的作品在诸多细节实现了突破，虽然很小，但不容忽视。

里皮是一位十五世纪意大利的修士画家，出生于佛罗伦萨。在乔托之后的100年，我们可以看到绘画风格已经产生了翻天覆地的变化。这幅绘于15世纪中期的圣母玛利亚在此时已经和真人无异，衣服、头发的质感都有了不错的表现，我们可以猜想这位圣母玛利亚，或许已经拥有了一位真实的模特。相比于前一时期，明暗对比，人体结构，都有了长足的进步。而画面主体的背景，也不再是单纯的平涂金色，而变成了一幅风景画。如果玛利亚头顶没有光环，天使没有翅膀，说这是一幅平民生活画像是完全可以被人接受的。

达芬奇，文艺复兴美术三杰之一，这是他最早的一幅圣母像。相比于里皮的风格，此时的作品已经完全脱开了中世纪的僵化格式，色彩和构图都更加流畅和谐。由于对解剖学的精进，达芬奇笔下的人物更加接近真人，形神兼备。这哪里是圣母玛利亚，就是我们身边一位平凡的母亲。圣母玛利亚在画家的笔下走下神坛，带着柔和的线条，走到民众身边。这是一种世俗亲情的流露，耶稣的母亲说到底也是一位母亲，除了至高无上的神权之外，世俗人性的美好也值得人们欣赏。当人们开始发觉到这种画作的美好的时候，其实已经默认了人文主义中对人性的肯定。当人们开始崇拜这些艺术家的时候，就是文艺复兴时代真正的到来。

说圣母像，一定会提到拉斐尔，拉斐尔作为文艺复兴鼎盛时期的代表，有机会吸收达·芬奇和米开朗基罗等前人的优点，是一位具有些许结合性的画家。一生的作品中有三分之一都与圣母玛利亚有关，包括这幅著名的《金翅雀圣母》。三角构图，画面稳定协调。圣母脱离了呆板的背景，走入了草地花园，连光环都变得难以分辨。如果对圣经不够熟悉，甚至都不会认为这是一幅宗教画。其实，这幅画是在说一个圣经之中的虚构情景，依旧属于宗教题材。拉斐尔笔下的圣母神态优雅，注视着两个孩子，而约翰则捧着金翅雀，询问耶稣关于热情的奥秘。圣母温柔，圣婴深邃，约翰好奇，每个人的神态都得到了恰如其分的展现。所有的神都是按照人的形象来描绘的，所谓的世俗精神就在这里，拉斐尔未来的圣母像也基本都遵循了这个标准。相比于中世纪的神权和禁欲主义，人文主义对人与自然的崇尚是一种古希腊罗马审美的回归，也就是文艺复兴。这幅著名的《西斯廷圣母》，在后世也是对圣母的理想形象的描绘，她已然完全摆脱了宗教气息和禁欲主义色彩，实现了文艺复兴。

回首向前，一千年间圣母像的变迁，从一个神圣、压抑、严肃的宗教符号形象，逐渐实现了一步步的解放。文艺复兴时期，欧洲社会对艺术家的崇拜上升到一个前所未有的程度，画家不再是没有社会地位的工匠，而成为了被权贵追捧的艺术家，就连教皇和君主都对他们关怀备至。事实上，艺术家并未和教权势不两立，他们的创作事业依旧很大程度上依托于教会的支持，而上述的这些突破也多是在教权支持下完成的。艺术家们打破了中世纪程式化圣母像的束缚，让圣母的形象逐步从神变成了人，而这个社会审美从神到人的转变就是人文主义的体现。教堂是再好不过的宣传所，艺术家们在教权中心地带做的改变，在整个欧洲起着举足轻重的作用。文艺复兴之所以伟大，是因为它从政治、学术、音乐、美术等各个方面扭转了社会大众的观念，使人们从愚昧的中世纪教条中解脱开来，实现了对个体价值的尊重和对现世价值的追求。你如果是文盲，可以看画。如果是瞎子，可以听音乐。如果本身就是知识分子，则有更多的手段获取新思想。社会的启蒙的过程是潜移默化的，需要全方位的努力。圣母像只是整个文艺复兴之中一个细小的片段，但也处处都体现着欧洲大陆上的思想变化。人类的感情本就是复杂的，艺术的发展也应该是多元的，尽管当时的社会政治环境依旧不容乐观，但也没能制约艺术事业的蓬勃发展。时间短暂，成就巨大，可见当时意大利的艺术有多么生气蓬勃。

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